domingo, 19 de junio de 2011

reflexión sobre el curso

ERASE UNA VEZ, HACE TRES AÑOS....
Cuando comencé el primer año de carrera, confiaba en que las dificultades se irían superando año tras año, que cada paso sería remontar al anterior.
Tenía fe en que al acabar podría recomponerme y poder pensar que pintaría mejor, o dibujaría mejor, o haría la mejor fotografía… siempre existen obstáculos, y es que los recursos se me acaban, aparecen los bloqueos y las ideas dejan de sucederse en la mente.
Dejo de confiar en que si alguien dice: “ eres de bellas artes, ¿pintas bien?”,  me sienta con la psicológica obligación de asentir. Hay una suave punta de mezquindad en  esos comentarios que dan por hecho que si estas en esta carrera tengas que ser el nuevo cofundador de algún nuevo movimiento pictórico del siglo XXI.
Cuando acaban las preguntas, las presiones... esa ferviente necesidad de complacer a todo el mundo, solo quedas tu, tu contigo mismo y tu soledad, la abrazas pensando que así podrás reflexionar y te ayudara a buscar conclusiones que te ayuden a mejorar a nivel personal, profesional y practico.
Durante este tercer curso, a cada asignatura, cada día y cada mes, he podido ir corroborando que las inseguridades no desaparecen, la limitación sigue presente. Resurge continuamente  la sensación de que algo se escapa, y que al finalizar falta una pieza.... queda incompleto y solo queda la constancia y las ganas que se pone al proyecto.
Es importante este ultimo punto, a nivel personal , es la base de todo. Como podríamos usar de referencia en "la estrategia del fracaso", la constancia es la base natural de todo, el continuo esfuerzo es el cemento de cada idea que se origina. Los errores, son promotores de nuevos proyectos, los fracasos nos invitan a pensar.
Los errores, nos ayudan a sacar conclusiones, potencian la evolución y ayudan a evitar cometerlos de nuevo.  

ESPACIOS VACÍOS 7

sábado, 18 de junio de 2011

Proyecto

 ESPACIOS VACÍOS
LUGARES, NO LUGARES



Debe de haber un lugar… un lugar donde solo hay ausencia de un pasado, que como tal, es inexistente, donde lo que hubo, es anhelo de un recuerdo;
Un lugar… que no es un lugar, no es un sitio tangible… no es un sitio que podamos tocar, no es una sensación que podamos percibir, no podemos llamarlo ni siquiera lugar, hay un espacio que no es espacio, donde la cronología se elude, donde no existen temperaturas ,  donde la gravedad permanece ausente y da la bienvenida a una sensación de vacío… las pasiones, los miedos, los deseos, lo positivo y negativo se unen…donde no hay nada definido, ni color, ni luz, ni frío ni calor, donde las sensaciones se perdieron en un tiempo que nunca existió… solo nos queda reflexionar… pensar en algo que no tiene pasado, ni presente , en algo que nunca llegará a un futuro…

Solo nos queda ver un vacío lleno de nada, una nada que se llena de todo.


Muchos han reflexionado sobre el tema del vacío, llamándolo, así, en su sentido más amplio, cada uno con perspectivas y tratamientos diferentes; tales como Martin Heidegger, que proponía la posibilidad de que la relación entre arte y espacio fuera pensada a partir de la experiencia del lugar y del paraje. El lugar como sitio de confluencias, como función del espacio. El lugar que se abre a las cosas y las retiene en su interdependencia. El lugar que se convierte en paraje, justamente en su virtud de reunir y retener. El lugar paraje, que acoge las cosas como tales, en tanto que son pertenecientes entre ellas, y que de esta manera el lugar, pertenece a las mismas. La teoría de Heidegger, llega a la conclusión, de que no solo el lugar pertenece a las cosas, sino que estas son el propio lugar.
Cuando hablamos de “lugar” como concepto tangible, Heidegger, lo relaciona con el propio hombre, de manera que este, convive con el entorno que le rodea, el hombre es el sitio en el que vive, al punto que llega a identificarse con las cosas que tiene a su alrededor.
Muchos campos artísticos han tratado el espacio; la escultura, con Oteiza o Chillida la pintura con Zobel o Zao Wo-ki, la fotografía con Candida Höffer…
Mar Augé, nos habla de un “no lugar”, como lugar de tránsito, como espacio de sucesos cotidaneos, con ejemplos como vehículos de tránsito entre esos “no lugares”.
Al contrario de Heidegger, Marc Auge, nos habla de lugares, como espacios de cambio y tránsito donde el sujeto entra y sale, pero no habita.
Los espacios de Marc Auge, son lugares donde el sujeto mas que una persona es un usuario, no tiene identidad, no se ve reflejado con su alrededor. No son lugares con una historia, ni son relacionales, son lugares para todos, y a su vez, para ninguno en particular.

Andreas Gursky, Eduard Burtynsky, Mimmo Jodice, Gabriele Basilico, Massimo Vitaly, Vincenzo Castella, Jose Manuel Ballester, son algunos de los artistas que a través, de la fotografía hablan del espacio, hablan de sus propios lugares.
Si bien, Eduard Burtynsky, trata el espacio, a través de paisajes industriales como motivo o excusa para establecer un discurso a modo de lección sobre nuestro planeta y el medio ambiente; espacios de creación o espacios de destrucción, en los que como artista es capaz de encontrar una gran belleza, y en contraste con esto mostrar una reflexión sobre las heridas del planeta y la sociedad de consumo.
Vistas panorámicas, empinadas perspectivas y fotografías simétricamente compuestas con una añadida característica pictórica, nos muestran su propios espacios de pensamiento.

Sobre esta anotación de lo pictórico en la fotografía, destaca Jose Manuel Ballester, en palabras del artista:  "La fotografía digital nos ha acercado mucho al mundo de la plástica". Ballester asegura que vivimos en el “neopictorialismo” gracias al acercamiento de la fotografía a las nuevas tecnologías.Los espacios- “no” lugares de este fotógrafo, iniciado previamente en la pintura, están enfocados a lugares arquitectónicos, condicionados por el tratamiento de la luz. Sus trabajos han ido orientados hacia espacios vacíos, públicos, lugares industriales, y como en las teorías de Auge, los espacios de Ballester se centran como tema en lugares en procesos de transformación.
Sus lienzos comenzaron con un marcado estilo realista y naturalistas hasta acabar pintando cuadros de formatos muy grandes y con una fuerte presencia de la mancha de color.




 Con esta última nota sobre este artista, añadir, como la reflexión que iniciaba la apertura del comentario, un espacio, es indefinido , no se puede limitar a una simple palabra, ni a un mero intento de encerrarlo en único concepto, lo interesante de cada percepción es intuir como conviven entre ellas, encerrando en si mismas su propio espacio de no lugar.

ESPACIOS VACÍOS 6


que tal un día en los vados

los vados

domingo, 29 de mayo de 2011

Algunos a los que referirse...

        Zao Wo-ki


         Pintor francés de origen chino nacido en Beijing. Descendiente de una antigua dinastía de músicos, estudió pintura tradicional y al óleo en la Escuela de Bellas Artes de Hangzhou, escuela de la que también fue profesor.

         En 1948 se traslada en París, dónde se hizo amigo del escritor Henri Micheaux y de los más famosos pintores de Europa occidental de la época, Picasso, Miró, Giacometti, Vieira da Silva, Hartung y Soylages, entre ellos. Mezclando el arte chino tradicional con el europeo, comenzó a pintar bajo la inspiración de Klee, Picasso o Matisse
         Desde 1954 se orienta hacia una abstracción lírica de enorme sutileza en donde ha venido tratando de captar los flujos ocultos de la naturaleza, sus influjos en el cuerpo y la lucha del propio cuerpo enfrentándose a la tela. 

        

        Sus primeros pasos, hacia 1950, delatan la influencia de Henri Michaux y la fascinación ante la obra de Paul Klee, que el pintor chino emula con unas sutiles, leves arquitecturas lineales sobre fondos oscuros. 

       
         En sus pinturas aparece un querer mostrar las formas naciendo del caos, a veces con violencia inusitada, como desgarrones trágicos (que recuerdan a Viola), y otras veces con gradaciones esfumadas (como las de Zóbel).
          Nunca prescindiría de las alusiones paisajísticas. La delicadeza de estas alusiones, unida al tratamiento exquisito de la superficie pictórica, produce a veces un hiperrefinamiento.









      Fernando Zobel

         Pintor español. Cursó estudios de Medicina y comenzó a pintar en 1942 durante una enfermedad.
         Entra en contacto con los pintores de la Escuela de Boston.
          De formación autodidacta, desarrolla su pintura en estos años y, al finalizar sus estudios, prolongó su estancia allí trabajando como ayudante del Departamento de Artes Gráficas del Harvard College Library, con el fin de seguir pintando e investigando.
         En 1951 regresó a Manila, y allí compatibilizó su trabajo en el mundo empresarial que compagina con la pintura, el mecenazgo, la investigación y la docencia, hasta que, en 1961, se traslada definitivamente su residencia a España y decide dedicarse por entero a la pintura.


“JARDIN SECO”, 1969
Óleo en veladuras.
80´5 x 80 cm.

Con el dibujo no valen lijados, ni oxidaciones al horno, es su desnudez, expuesta a la mirada de todos. Es el centro de gravedad de su obra artística.  



                                                                       Candida Höfer
         Fotografía en espacios públicos y semipúblicos que datan de distintas épocas. Estos son los espacios disponibles para todos. Son lugares donde se puede conocer y comunicar, donde usted puede compartir y recibir conocimientos, donde podrá relajarse y recuperarse. Nacida en 1944 y se crió en Eberswalde, Alemania, Höfer en la actualidad vive y trabaja en Colonia. Sus obras han sido ampliamente exhibido internacionalmente: en Alemania, Suiza, el Reino Unido, los Países Bajos, Dinamarca, España, Portugal, Francia...




A nivel personal, es muy importante para entender su obra esta última frase y reflexión:

"Un espacio no es más que una determinada luz en un momento preciso"

“Vacío" no es una palabra Höfer se aplica a su propia obra. Ella ve sus imágenes de los espacios interiores como animada por la luz, forma y patrón, y rica en referencias a una presencia humana que se siente si no se puede ver


ejercicio 3

acrílico sobre tela

ejercicio 2

óleo sobre tela

ejercicio 1

óleo sobre tabla

ESPACIOS VACÍOS 5

acrílico y carboncillo sobre DM

ESPACIOS VACÍOS 4

acrílico y carboncillo sobre DM

ESPACIOS VACÍOS 3

acrílico y carboncillo sobre DM

ESPACIOS VACÍOS 2

acrílico y carboncillo sobre DM

ESPACIOS VACÍOS 1


acrílico y carboncillo sobre DM

PROYECTO. ESPACIOS VACÍOS... RUINAS EN LA ARQUITECTURA

Ruinas de la Arquitectura


Según Heidegger cuando hablamos de arquitectura, elevamos nuestra mirada en un sentido metafísico-existencial, entendiendo “habitar” como un acto con connotaciones espirituales mediante el cual el hombre afianza su identidad y se reconoce en el trato que establece con las cosas.
De manera que el hombre se identifica con el lugar en el que reside asociando su personalidad con aquello que le rodea, esta mirada se corresponderá así con un habitar poético del hombre en el mundo entendiendo este habitar tanto a nivel físico del lugar como a nivel espiritual.

Retornando al origen

Hablamos de la estructura como escenario tangible, como protagonista donde alguien se sitúa, existiendo así una fuerte conexión entre el hombre y la materia cuando el hombre desaparece la morada permanece, sigue siendo física y perteneciente al mundo terrenal, esta queda mellada, sellada por aquel que habitó en ella, aquel que dejó huella.
Quedan espacios vacíos, espacios de memoria y nostalgia de algo que fue, solo a través de pasillos podemos retornar al origen.

Habitar, construir… qué sentido le damos a estas palabras cuando pensamos en ellas… qué relación o diferencias existe en nuestra mente cuando las pronunciamos…
Cuando pensamos en construir no existe pretensión de encontrar ideas sobre la construcción como propiamente dice la palabra y ni menos dar reglas sobre cómo construir.

Qué es habitar y  en qué medida pertenece el construir al habitar.
Construir- habitar no  es solo una relación medio-fin sino que vamos mas allá de esta simple conexión de función, construir es en sí mismo ya el habitar.

PROYECTO. ESPACIOS VACÍOS... ESPACIOS EN BLANCO

A través… de los objetos, de la arquitectura… de las formas que día a día nos rodean, aquellas que nos parecen cotidianas y cercanas…

A través… de la luz, esa luz que creemos tan lejana, creamos espacios, espacios de color donde se desarrollan escenas, espacios amplios que respiran a través de la luz… que podemos palpar y cazar. 

A través… del ojo humano, vemos lo que vemos, o vemos lo que deseamos ver…vemos una realidad que es esencialmente objetiva o es la realidad aquella que nosotros componemos… si creemos en esa realidad tangible a través… de un mundo físico, sin reflexionar sobre los límites fisiológicos de ese mundo. 



A través del color… a través de la luz… a través de las formas… a través de las sombras… 

Todo se completa a través, de una dualidad… no hay antagonismo sin existir antes una complementariedad, hablamos de espacios que respiran, que inspiran una sensación de vacío-lleno, al unísono, que se invierte llenando el vacío; un estado sin ser estado; escenarios que se abren donde las cosas existen o no existen o coexisten al mismo tiempo de forma paralela…

Así, percibimos un color a través… de un color que existe y que cambia por momentos, que muta con el tiempo, que vibra con la luz y que dibuja formas con la sombra…
Así, percibimos una ventana a través… de una ventana que guía y nos abre a un mundo que nosotros podemos componer a nuestro antojo.
 

sábado, 28 de mayo de 2011

"equilibrio dual"







"equilibrio dual"

Jeff Koons, arte u oficio

Podemos usar el nombre de Jeff  Koons como una buena excusa para debatir sobre el sonado concepto de arte, es el arte una filosofía, un origen de ideas, o puede ser esto y mas... hablando así no solo de un flujo de creaciones mentales sino ademas, de un oficio... la parte en que la persona como ente individual, crea  mentalmente y ademas, lo lleva a cabo, la obra será fruto de su mente y de su propio cuerpo... es aquí, donde a nivel personal, existe la polémica de Jeff Koons. 
Hablamos de artista como creador de ideas, hablamos de este concepto de forma que se es artista solo con tener una idea y medios para llevarla a cabo sin el requisito de tener que ser la mano que la finalice.. o debe ser artista aquel que además, domine a la perfección la técnica, aquel que conozca el oficio... el punto esta en la subjetividad de pensar en este concepto para poder llegar a valorar su obra, ya que en su caso la esencia principal es que la idea debe coronar la obra.





Su obra camina entre el arte minimalista y el neo-pop, entre la escultura, el collage, la pintura, la fotografía...
Podemos considerar que sus temas llegan a rozar el fetichismo, la pornografía, el deseo de fama, dinero y ciertos estilos de vida.

 

Maurizio Cattelan



“Salga lo que salga cuando hayas hecho tu trabajo, no te pertenece. La obra tiene que luchar para si misma, y definirse para  si misma.”

Cuando leemos esta frase, vemos como el artista, Maurizio Cattelan, es polémico hasta en sus mas sencillas reflexiones. A raíz, de un simple pensamiento, podemos derivar a infinitas meditaciones y cuestiones, tales como aquellas sobre el arte, su sentido, objetivo, origen… aquel arte como artificio u oficio… arte como simple medio de expresión, como un medio por el que existe una comunicación, un diálogo entre aquel que expresa y aquel que recibe…


Este nativo de Italia, originario de Padua, es creador de una obra que contiene un marcado carácter absurdo, excéntrico y provocador, arremete contra los convencionalismo y artificios del momento, ya sean sociales, políticos o morales. Podemos ver asi,  en sus obras como tiene una fuerte influencia heredera de la obra de duchamp que radica en sarcasmo y cinismo. que